Interview - John McClean de The Aliens (ancien The Beta Band)

Quand j’ai réussi à mettre la main sur John McClean (à gauche sur la photo), mon cœur a fait des bonds. J’allais enfin pouvoir lui poser toutes les questions que j’avais en tête. Toutes ? Non. J’allais me consacrer à son travail sur The Aliens, son nouveau groupe (depuis 2005) en compagnie de Gordon Anderson (The Lone Pigeon) et Robin Jones (The Beta Band). Avec ces trois écossais à ma portée, c’est comme si je revivais les moments uniques apportés par les disques mythiques du Beta Band, sans oublier les deux albums extra-terrestres qui allaient suivre, Astronomy for dogs et Luna, deux pures pierres précieuses de pop psychédéliques. Enfilez vos combinaisons spatiales et pénétrez dans l’intimité d’un artiste culte.

Bonjour John, l’Ep The Sunlamp show est sorti cette année, cela veut-il dire qu’un album est en préparation ?

Oui nous retournons en studios en novembre pour commencer le prochain album.

J’ai vu que vous tourniez en Suisse, la France est-elle est un pays où vous aimeriez venir jouer ?

La France est un de nos pays préférés, donc carrément ! Gordon a passé beaucoup de temps à Nice et nous nous éclatons toujours là-bas. Ca doit remonter à l’ancienne alliance Ecosse/France.

Quelle est la différence musicale entre le Beta Band et les Aliens ?

Principalement l’écriture des morceaux, Gordon et Steve (Mason) ont des méthodes et des personnalités très différentes. Donc quand nous créons la musique qui doit coller à ces chansons, nous faisons en conséquence et l’approche est différente.

Aimes-tu être systématiquement introduit comme étant l’ex-Beta Band ? Qu’est-ce que ce groupe représente pour toi ? En es-tu fier ?

J’en suis très très fier. Et je suis surtout fier de n’avoir jamais fait de compromis, même si du coup l’on n’a jamais vraiment vendu. Je ne regrette rien, mais c’est bien aussi d’avancer et de rencontrer des fans des Aliens qui n’ont jamais entendu parler du Beta Band. Gordon est un très bon songwritteur avec une sacrée carrière avant ça en tant que The Lone Pigeon. De nombreux fans nous écoutent également grâce à ça.

Avec les Aliens, avez-vous de nombreux projets en tête ou vivez-vous au jour le jour ?

Gordon a plutôt tendance à vivre dans le moment, donc c’est difficile de planifier, mais de toute façon c’est plus une histoire de plaisir que d’argent, donc le rythme album/tournée que les groupes sont obligés de suivre à cause de leurs maisons de disque ce n’est pas trop pour nous.



Quels sont les éléments typiquement écossais dans votre musique ? Parce que ça sonne très américain pour moi.

Gordon adore le songwritting américain à la Dylan, Elvis, Wilson, Young. Mais il aime aussi les Beatles, donc des fois ça sonne un peu Liverpool aussi. Nous venons de Fife où l’accent est un peu plus léger qu’à Glasgow donc nous ne sonnerons jamais comme Glasvegas. Mais nous le faisons aussi un peu exprès pour coller avec les mélodies plus douces que nous voulons créer.

Est-ce que ça change la donne d’être écossais pour réussir dans la musique pop ?

Non, c’est juste plus facile pour avoir une table de restaurant à new-York.

Pitchfork a mis 4.7 à Astronomy for dogs. Pour moi c’est un chef d’œuvre. Penses-tu que votre musique ait une cible particulière ? La considères-tu comme difficile d’accès ?

Je pense que Pitchfork a son propre agenda prédéfini, donc je ne me sers pas d’eux pour savoir ce qui est bien ou pas. Nous voulons juste faire ce qui sonne bien pour nous et si quelqu’un d’autre aime aussi c’est tant mieux. Mais il semblerait effectivement que nous faisions de la musique qui s’apprécie davantage avec des écoutes répétées. Du coup c’est difficile pour des critiques qui ne donnent généralement leur avis qu’après une ou deux écoutes seulement.

Question difficile, quel album préférez-vous entre Astronomy for dogs et Luna ?

Nous préférons Luna parce que nous avions la sensation d’avoir du temps pour faire les choses biens en l’enregistrant nous-mêmes dans un cottage écossais alors que pour Astronomy for dogs nous étions dans un studio londonien, et comme le temps c’est de l’argent… Mais je soutiens les deux et suis fier qu’ils soient à la fois différents et similaires.



D’où vient ce sentiment de musique droguée et êtes-vous des geeks de studio ?

Aucun de nous trois ne prenons de drogues donc je ne sais pas d’où cela vient. Probablement des expérimentations sonores qui donnent l’impression d’être un peu perché. Et nous ne sommes certainement pas des geeks de studio comme pouvait l’être le Pink Floyd. Nous passons cependant beaucoup de temps à nous prendre la tête sur les branchements et les câbles à utiliser en essayant de tout faire fonctionner. Trop de technique et c’est la musique qui en souffre.

Internet et la musique, un problème ou une solution ?

Je crois que beaucoup de monde cherche la solution à cette question. C’est bien et mal à la fois. Mal parce que nous avons passé un an à faire Luna et que de nombreuses personnes l’on téléchargé gratuitement (peut-être sont-ils comptables et peuvent-ils faire ma compta gratuitement, ou garagistes et réparer mon vélo gratuitement…). Bien parce que nous sommes le genre de groupe qui ne rentre pas vraiment dans le circuit mainstream des radios ou d’MTV, donc le bouche à oreilles est très important et Internet est très bon pour ça.

Quels trucs récents écoutes-tu en ce moment?

Ce ne sont pas vraiment des trucs récents mais plutôt des vieux trucs français comme Melody Nelson de Serge Gainsbourg ou L’enfant assassin des mouches par son arrangeur de cordes Jean-Claude Vannier.

Sans aucune objectivité, quels sont tes 5 albums préférés de tous les temps ?

Chill out - KLF
Here come the warm jets - Brian Eno
36 Chambers - The Wu Tang Clan
The Stone Roses - The Stones Roses
Screamadelica - Primal Scream

Merci.

(ndlr : j’ai écouté les cinq (excellents) albums en traduisant les réponses et en écrivant ces lignes et c’est fou comme on retrouve les influences de The Aliens)

Le super site officiel des Aliens

"The sunlamp show" :

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Fake Blood - Fix Your Accent Ep (2009)

En ce moment, à défaut de nous abreuver de groupes pop valant le coup, l’Angleterre semble regorger de Dj’s imparables. En témoigne le dernier premier de la classe en date, l’énigmatique producteur Fake Blood, alias Touché, alias Théo Keating. Déjà auteur l’année dernière d’un premier Ep én-or-me intitulé "Mars" (difficile de passer à côté), le jeune anglais livre à présent sa deuxième bombe club house sous ce pseudo. Qui plus est vous avez déjà certainement croisé son chemin puisqu’il est également le responsable d’un nombre impressionnant de remix, dont The Kills, Calvin Harris ou encore Little Boots. Encore mieux, il était la moitié du duo hip-hop/big beat The Wiseguys ("Ooh La La", souvenez-vous) et il semble dorénavant officier au sein d’un autre projet, The Black Ghosts.

Pour ce qui est de cet Ep, c’est une véritable claque. Il n’y a pas d’autre mot. On y trouve trois morceaux de 5 minutes chacun, dans trois styles différents, tous monstrueux. Le premier, "Fix your accent", est un exploit de groove sur un air de samba. Des breaks, des sifflets, une grosse basse, tout est là. Le deuxième, "The dozens", est un pur moment de fidget. Un big beat dévastateur. Impeccable lui aussi. Et une fois le hors-d’œuvre terminé, cerise sur le gâteau, vous trouvez ce qui est peut-être le meilleur titre house de l’année. Il est tout simplement impossible d’échapper à ce "I think I like it". Sur un air disco (des samples de "In the heat of a disco night" d’ Arabesque, déjà repris par The Phantom’s Revenge sur "Mr Fahrenheit"), Fake Blood se la joue old-school et balance une voix saccadée sur un kick percutant au possible. Le titre est à la fois drôle, jubilatoire et addictif. Le nouveau sommet de vos soirées à venir.

En bref : en 3 titres essentiels, le jeune Fake Blood démontre qu’il est l’un des Dj anglais les plus prometteurs cette année. Et "I think I like it" de rentrer directement dans le panthéon des bombes disco house.




Le Myspace et un Mix à écouter

A lire aussi : Kid Cudi - Day N’ Nite (2009)

La bombe de l’été, "I think I like it" :

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Concours Firecrackers - Vinyls et T-shirts à gagner

April 77 remet le couvert avec sa sortie automnale. Ils s’appellent Firecrackers, viennent de Grenoble, et à moins d’être un ermite, vous avez certainement déjà entendu parler d’eux. En plus de leur excellent dernier album, ils livrent ce mois-ci un nouveau single inédit en 45 tours. "Pinball machine blues", puisque c’est son nom, recrée la fièvre 60’s. Quant à la face B "Wasteman", plus bas en écoute, il remet la guitare stoner à l’honneur. Du rock bluesy comme on l’aime, dans un package aux petits oignons.

A cette occasion Dodb souhaite vous faire gagner 3 vinyls et 3 T-shirts Firecrackers. Pour cela il suffit de répondre à cette question : Quel a été le groupe présenté en juin dernier sur Dodb également chez April 77 ? avant le 26 novembre prochain, avec vos coordonnées postales, votre lot préféré et l’intitulé Concours Firecrackers à l’adresse contact@desoreillesdansbabylone.com . Bonne chance à tous.

Les Myspaces de April 77 et Firecrackers

Le clip de "Wasteman" :

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Fuck Buttons - Tarot Sport (2009)

Ouch, c’est quoi ce truc ? Alors que j’avais gardé un souvenir moribond du premier effort Street horsing des anglais Benjamin John Power et Andrew Hungs -trop vite classé foutoir pour moi-, des critiques élogieuses se sont chargé de me rappeler que Fuck Bucttons est un duo plein d’avenir. Téléchargeant (bouh c’est mal !) sans grand peine le second album en question afin de me faire une idée, je restais sur mes gardes, la pochette ultra criarde n’augurant pas le meilleur non plus. Le lecteur Window Media se lance, un morceau nommé "Surf solar" commence, et là c’est la claque ! Non mais vraiment, c’est quoi ce truc ? 10 minutes dantesques en version longue (le morceau était déjà sorti allégé de 7 minutes), une superposition de couches synthétiques, des voix venues de l’espace (et qui du coup n’en sont plus), une synchronisation de l’ensemble, et de ce fait un morceau pharaonique, hypnotique et renversant. Ca part bien.

Ok, il va donc falloir se renseigner un peu plus. Ils viennent de Bristol, ok. John Cummings a remplacé Andrew Weatherall à la production, pourquoi pas. Mais encore ? Pas grand-chose si ce n’est que le duo semble être assez respecté depuis son premier opus, que je suis du coup obligé de réécouter. Et effectivement, Fuck Buttons s’est remis en question. Ca n’a même plus rien à voir. Résolument épiques et rythmés, les 7 (oui seulement, pour 1 heure de musique) fresques de fausse électro psyché s’enchaînent et ne se ressemblent… enfin si, se ressemblent un peu. Tarot Sport est en effet une œuvre continue, sans entracte ni interlude, véritable enchaînement sans temps-mort de morceaux de bravoure salement futuristes.


Un disque linéaire qui aligne 7 pièces d’une dizaine de minutes chacune, avec une vraie complémentarité et une même instrumentalité tout le long. Il y a bien des pics et des montés, mais la tension omniprésente est belle et bien linéaire. A noter également, la facilité d’immersion dans cette odyssée aérienne pourtant très expérimentale. Et quand vient l’heure du name dropping, après un court moment où l’on se dit que cela ne ressemble à rien d’autre, on finit par penser à tout et son contraire. Sun O))), Vangelis, Battles, Koudlam, M83, et ce n’est qu’à la fin qu’on pense à The Field ou encore Nathan Fake, et que l’on arrive à coller la difficile étiquette de drone un peu noise, un peu électro, et pourtant non bruitiste. Unique.

Et à part l’impressionnant "Surf solar" dont on a du mal à se remettre, que trouve-t-on dans cet album ? Je citerais volontiers le monumental "Olympians", on ne peut plus épique (et répétitif, je vous l’accorde) et inclassable. Une flûte de paon semble sortir de nulle par, annonçant un flux de distorsion d’un autre monde également. On pourrait appeler ça de l’électronica mélodique. On touche en tous cas le royaume des cieux. "Phantom Limb" et "Space mountain" (sic) me touchent moins par contre. Quant à "Flight of the feathered serpent", il est à la fois puissant et dansant et sa pulsation régulière est porteuse de foi et de force, d’espoir à la Dan Deacon même.

En bref : une heure ininterrompue de pop futuriste, d’électronica de science fiction et de tout ce qui serait trop long à décrire dans un En bref. Un ovni épique venu d’ailleurs, à écouter fort et au casque, forcément.




Le Myspace

A lire aussi : Zombi - Spirit Animal (2009)

Le clip hallucinant de "Surf solar" (version courte) :

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Dälek - Gutter Tactics (2009)

5ème album pour ce duo composé de Dälek, le Master of Ceremony, et de The Oktopus aux platines. La pochette, tribale entre toutes, illustre le contenu de la chose, celui d'un rap sombre, paranoïaque, malaisé.
Ce disque se propose de relater le versant peu flatteur des émeutes et représailles communautaires de la deuxième moitié du 20ème siècle aux Etats-Unis. Et d'apporter un regard de mémoire salvateur envers une pelletée de martyres qui seraient pèle-mèle Martin Luther King, Medgar Evers -l'une des chansons est à sa gloire, Malcolm X, ou Emmett Till. Certains portraits figurent d'ailleurs sur les étiquettes des deux galettes de l'album.

Le propos, on s'en doute pour un album de rap et vu la teneur du disque, est radical, sans concession. Les titres, provocants, interpellent ("Blessed Are They Who Bash Your Children's Heads Against A Rock") et sont plus longs que ceux des Liars et des Smiths réunis. Ailleurs, sur "Los Macheteros / Spear Of A Nation", une longue litanie de noms de révolutionnaires portoricains est froidement récitée. Ce disque a le mérite de rappeler, avec un manque de nuance et un parti-pris affirmé - car on ne saurait faire l'amalgame - et un reportage récent sur les chaînes hertziennes illustrait ce propos, que bien que minoritaire, l'immonde White Power et ses dérivés sévissent toujours aux Etats-Unis, et qu'une frange certes pas négligeable de hicks WASP's sudistes, continue à revendiquer haine et fierté mal placée quant à une hégémonie blanche. Et a ainsi beaucoup eu de mal à accepter la couleur de peau du 44ème président de la première puissance mondiale. Tous les gens cités ici ont en général deux point communs : ils sont noirs et ont été assassinés, c'est le cas de Medgar Evers, sacrifié sur l'autel du fanatisme du Ku Klux Klan. Véritables militants, dépositaires d'une tension à fleur de peau, le duo décrit le quotidien minoritaire, sans fard ("they treat us like animals").

Et la musique dans tout ça ? Particulièrement obsédante, hypnotique, évoquant parfois Suicide, "No Question" . Et ce qui tranche par rapport au son rap urbain lambda, ce sont ces boucles de guitares noisy façon My Bloody Valentine qui parsèment le disque, cette lancinante saturation qui restitue la violence urbaine, l'esprit communautaire - l'incroyable morceau-titre ! On n'est pas loin de l'indus parfois. Ah, et un dessin de lynchage orne le verso de la pochette, au visuel menaçant. Les gens de Dälek ne plaisantent pas, et leur flow envoie. Suffisamment pour fédérer les allergiques à leur courant musical. 

 

Une confirmation.

En bref : une terrifiante photographie de l'héritage socio-cuturel américain. Avec une noirceur assumée, et le concours de guitares abrasives, Dälek sert un rap urbain, sans concession. On n'avait pas vu pareille diatribe depuis les Dead Kennedys. Eprouvant mais salutaire.

le site, le Myspace
The Dead Kennedys - Frankenchrist (chronique)

"No question"

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The Flaming Lips - Embryonic (2009)

Un double album pour les Lips, ça n’était jamais arrivé. Il y avait bien eu l’expérience Zaireeka en 1997 qui peut être vue comme un quadruple disque en un, mais un double jamais. Exercice périlleux s’il en est, le format double permet généralement aux artistes de sortir du cadre habituel, de s’exprimer sur la longueur, avec le risque de diluer son talent, de perdre l’auditeur ou de placer des titres inutiles au milieu de pépites que l’on oublie. Et des risques cet Embryonic en comportait un paquet. Nombreux sont ceux qui ont été déçus par le son en plastique du récent At war with the mystics. Son côté pop, la naïveté de titres comme "The Yeah yeah yeah song", le manque d’homogénéité. Mais la BO Christmas on mars sortie en 2008 avait esquissé la somme de travail réalisée pour Embryonic à savoir un véritable tournant musical en forme de challenge. Réinventer les Lips. Retourner aux fondamentaux. Retourner coûte que coûte au bizarre, quitte à perdre l’auditeur le plus flemmard au passage. Disons le tout de suite, Embryonic est un disque très difficile d’accès. Un disque sombre, long et flippant. Leur plus audacieux depuis Zaireeka.

Forcément conceptuel, -cette pochette folle- Wayne Coyne n’hésite plus et cite volontiers le mathématicien allemand Thorsten Wörmann. Selon lui, l’univers n’a pas de sens. D’où un sentiment de chaos ("Aquarius sabotage"), de douleur, de résignation. Lui et sa bande s’en sont allés et se sont remis aux jams krautrock des tous débuts. Finie la power pop, au placard les mélodies, rentrez-chez vous les ballades. Tout juste "Evil" rappelle un peu les flottements cinématographiques de "Do you realize", tel un interlude de douceur, de courte durée.

Faisant preuve d’une richesse musicale incontestable, le groupe d’ Oklahoma est à la fois génial et frustrant. Ecoutez le break tout en orgue à mi-parcours sur l’ultra torturée "Sea the leaves" et prenez-en de la graine. Et ce ne sont pas les apparitions surmédiatisées, inutiles et surtout indétectables de Karen O et MGMT qui y changent quelque chose, mais plutôt un retour à la grosse basse saturée ("Worm mountains"), aux guitares incisives, aux synthés abrasifs et surtout à une utilisation parcimonieuse des vocals. Il y en a en effet très peu sur ce qui s’apparente désormais à du space rock progressif. Prenez par exemple le revirement aérien de "Gemini Syringes" et ne me dîtes pas que vous n’y entendez pas le Pink Floyd. Et c’est assez rare pour le souligner tant le disque manque d’influences (un atout ?), même si l’on parle du Miles Davis Group ici ou là. Certains se sont laissés aller à évoquer la comparaison de "Chemical Brothers sous anti dépresseurs", pourquoi pas. La faute sans doute à un tempo qui traîne ("Your bats") et à une sensation d’étouffement, de claustrophobie.


Au milieu de tout ça, perdu entre ces 18 titres de freak’s vibe, se trouve le morceau le plus long de l’album, "Powerless", longue montée sinistre et éprouvante rappelant les premiers tics lipsiens. Wayne Coyne y maltraite sa guitare pour mieux vous laisser sur le carreau. "Convinced of the ex", titre inaugural de creepy kraut rock à la basse hypnotique est déjà loin derrière, tout comme "The sparrow looks up at the machine" qui lui emboîte le pas. Et on en revient à l’éternel problème des doubles albums : il y a tant à dire. En effet, quatre voir cinq des plus gros morceaux sont encore à venir. A commencer par le dépouillé "I can be a frog". Magistral pour certain, inutiles pour d’autres. Je vous parlais des Pink Floyd, et c’est bien d’eux dont il est encore question sur l’anthologique "Sagittarius silver announcement". Les harmonies vocales du Piper at the gates of down sont évidentes. Le Floyd dont Wayne Coyne envisage d’ailleurs de réenregistrer très prochainement le Dark side of the moon dans son intégralité.

Je vous épargne les descriptions détaillées de "Silver trembling hands", seul et unique possible single (Ahahaha, pardon, c’est nerveux) de l’album ainsi que celle du monumental et intransigeant morceau final, "Watching the planet". A ce stade-là -celui du douzième album studio-, l’on peut définitivement affirmer qu’il ne s’agit plus d’esbrouffe. Les Flaming Lips sont un véritable groupe, qui prend des risques (Embryonic impossible à jouer sur scène?) et qui mérite amplement son 9.0 sur Pitchfork au passage. Est-ce que ce disque se vendra pour autant ? Certainement pas. Pourtant dans un monde parfait, tout le monde devrait écouter ça au casque au moins une fois.

En bref : Le disque le plus étrange, bizarre et organique des Lips à ce jour, c’est dire. Un double monument qui ne se laisse pas apprivoiser facilement, témoin de l’avancée d’un groupe majeur à un tournant important de sa carrière. Indispensable cette année, pour chaque fan et chaque détracteur.





Le site officiel

L’album en streaming

A lire aussi : The Flaming Lips - Zaireeka (1997)

"See the heaves", à écouter au moins jusqu’au revirement à 2’25", le plus léger et anecdotique "I can be a frog" et le "single" "Silver trembling hands" :

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Director - I’ll Wait For Sound (2009)

On les avait quittés sans grande conviction sur un We thrive on big cities en 2006, et depuis plus rien. Mais Michael Maloney et sa bande n’avaient pas disparu pour autant. Ils s’étaient simplement installés au-dessus d’un Irish pub (oui, Director est irlandais, de Mahalide plus précisément) pour composer tranquilles ce qu’ils espéraient être un changement d’orientation, moins variété, plus indé. Sans faire de bruit, malgré leur popularité croissante là-bas, le quatuor met quatre mois à enregistrer ce disque, pour finalement l’enregistrer à Los Angeles avec l’aide de Brad Wood. Le résultat sans être révolutionnaire s’avère plutôt sympathique au fil des écoutes.

"Play pretend" ouvre le bal et annonce la couleur. Rythmé, massif, chargé, le son de Director s’il est toujours taillé pour les stades est moins évident, moins prévisible. Une bonne impression qui retombe vite à l’écoute de l’inutile "Don’t think I’ll know". Comparés à leurs débuts à de jeunes groupes comme Razorlight ou The Fratellis, les Irlandais chassent désormais sur les terres de Depeche Mode, Interpol et autres Smiths. Des mélodies bien anglo-saxonnes ("Sing it without a tune", de la pure brit pop pour Stade de France) et surtout une émotion déversée non-stop, à la Wire.

Bon, jusqu’à présent rien qui ne justifie vraiment que l’on parle de lui. Mais tout vient à point à qui sait attendre et enfin au milieu du disque débarque "I’ll wait for sound". Un morceau dantesque, guidé par la basse, aux changements de rythme incessants et à la production nickel chrome. Les guitares sont rapides, Michael prend son temps (6’32"), c’est parfait. Et la récompense d’avoir poussé le bouchon jusque-là ne se fait pas longtemps attendre puisque le deuxième meilleur titre de l’album se cache derrière. Attention avant de traverser, un tube peut en cacher un autre.


"Moment to moment". Un titre tout simple pourtant, qui part presque comme du Franz Ferdinand, et qui devient bien vite saccadé, rageur, entêtant. Rien de fou non plus mais un refrain qui colle à la peau comme une combinaison Arena. Un rouleau compresseur que rien n’arrête. Enfin si, puisque la ballade "You see" fait retomber le soufflet. Tous comme les deux titres suivants qui n’apportent rien de neuf, malgré il faut l’avouer, une maturité nouvelle pour le quatuor.

On finira sur le troisième et dernier bon moment du disque. Un "Can’t go home" presque d’anthologie. Début en mode slowmotion, on fait le plein d’émotion, c’est mélodramatique à souhait. Puis le piano drive le tout vers un final en fanfare du plus bel effet. Heureusement qu’il était là celui-là.

En bref : Manque d’originalité, son un brin monochrome, trop de titres faibles, certes… mais un certain état d’esprit, une sensation d’avancer, et trois titres enthousiasmants qui empêchent le navire de couler, et font espérer quelque chose pour le suivant.




Le Myspace

A lire aussi : Depeche Mode - Sounds Of The Universe (2009)

"I’ll wait for the sound" :

Home Video #5 I'll Wait For Sound from Director Music on Vimeo.

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Love And Rockets - Express (1986)

 2ème album d'un groupe qu'on n'attendait pas à pareille fête. Et pourtant, après la parution de son très ethéré Seventh Dream Of Teenage Heaven (1985), on a la confirmation que L&R est bien plus qu'un avatar du groupe batcave dans lequel, David J, son frère Kevin Askins et Daniel Ash ont fourbi leurs premières armes.

Déjà très présents en tant que compositeurs et chanteurs du Bauhaus dernière formule, J et Ash sont bien sûr le véritable aigle à deux têtes de ce nouveau projet qu'est Love And Rockets. Et après la douce folk psychédélique de Seventh.., réminiscente des heures les plus planantes du Pink Floyd superstar des 70's, place à une autre forme de lysergie, davantage évocatrice... d'un Floyd plus acide et bordélique, celui des 60's. Du reste, une reprise sans concession et totalement réussie du "Lucifer Sam" de Barrett est enregistrée durant les sessions d'Express, servant de B side à l'un de leurs plus fameux singlesà savoir "Ying And Yang (The Flowerpot Man).
Exit la langueur du 1er album, au placard les arpèges délicats ; le son fretless de la basse de J, si caractéristique du groupe anglais, se voit amplifié. Dès "It Could Be Sunshine", le ton est donné : intro tribale, avec une rythmique bringuebalante nimbée de marimbas qui embraye sur un simple riff de sax interprété par Daniel Ash. Les deux voix se superposent ou se complètent à merveille, celle douce et voilée de David étant contrebalancée par la tessiture métallique de Daniel. Le rythme s'accélère alors, et dans une mélodie irrésistible, Ash déclame ses lyrics tout aussi ensoleillés et babs qu'à l'époque du 1er album, qu'il sait enrober de riffs de guitare acides. Tels des coulées de lave en fusion affluant comme aux heures les plus radicales de Bauhaus. 

"Kundalini Express" n'est pas en reste, et envoie un gros riff qui tache, servi par une batterie métronomique, et entrecoupée de chorus de slide réjouissants. C'est d'ailleurs l'aspect le plus flagrant de cet album : la superposition des genres, et cette manière assez jouissive et inspirée qu'ont les musiciens de jouer à contre-emploi, tout en n'oubliant pas de garder le tempo trépidant qui sied à Express. "Life In Laralay", ne faillit pas la règle et envoie la sauce que J n'aura pas manqué d'édulcorer de son timbre sensible.

Au milieu de cette furie de gros riffs, de rythmiques martiales, quelques moments d'accalmie : "Love Me" et surtout la version 2 de "All In My Mind" et les contre-temps brisés de Haskins, véritable trait d'union de ses deux acolytes et impeccable marteleur. Et puis, il y a aussi ce superbe "An American Dream", aux arpèges si simples et efficaces, qui montrent véritablement que la voie acoustique opérée dans Burning From The Inside, (1983) véritable embryon de Love And Rockets quand on y songe, était celle qui prévalait, et qu'on retrouverait comme fil conducteur dans nombre de chansons du groupe. Et comme tout grand album, celui-ci possède son morceau de bravoure, intitulé "Yin And Yang", autre référence asiatique de l'album avec Kundalini. La chanson enfonce le clou des possibilités créatrices et imaginatives de Love And Rockets : sur le rythme échevelé d'un accord de do, renforcé par la basse de J pour le coup accordée très bas, les deux leaders alternent puis unissent leurs voix pour donner corps à l'une des plus subtiles compositions pop qui soient. Haskins impose là-dessus un shuffle haletant, digne d'un infernal rockabilly.

Ce morceau, probablement composé "sous influence" demeure à ce jour la plus grande réussite du groupe. Qui touche-à-tout aura encore ses grands moments : l'ambient du très réussi Hot Trip To Heaven en 1994, la pop indé parfaite de Sweet F.A jusqu'à........la techno de Lift en 1998. Dans sa versatilité,  Love And Rockets aura su se créer un son ; ce qui est l'apanage des plus grands.


En bref : mieux qu'un succédané de Bauhaus, de la pop, avec beaucoup de guitares mais pas seulement. Une poignée de chansons admirables devenues au fil des années des classiques. Une musique qui n'a pas vieilli et s'avère toujours pertinente des décennies après sa sortie.





le site de L&R leur Myspace

la video de "Yin And Yang" (The Flowerpot Man)" :

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Sibyl Vane - The Locked Suitcase (2008)

Second album d'un groupe hébergé par un collectif palois garantissant déjà, à lui seul, une certaine qualité, The Locked Suitcase confirme tout le bien que l'on pouvait penser de Sibyl Vane après Paradoxes, sorti en 2005.

Mêlant une certaine sensibilité pop à des élans plus rageurs, le tout sous couvert d'une émotion non-feinte, Sibyl Vane propose en effet un panel riche et enrichi d'une part par l'apport d'instruments moins traditionellement rock, comme le saxo de "The Dress Code" ou un glockenspiel, délicat, sur "The Fox & The Lizard". En outre, la formation s'offre ici les services de deux intervenants plus que marquants : Mike Garson (David Bowie) au piano et Lydia Lunch au chant. Le premier orne "Myriad Bubbles" de ses petites touches avenantes, faisant de même sur "The Suitcase", aussi pur et finement construit que le précédent titre et exhalant un parfum jazzy assez enivrant. Quant à Lydia, elle renforce le côté sombre et inquiétant de "Whores!", qui monte doucement en puissance sous l'impulsion de la batterie et de son chant parfaitement secondé par celui de Bernard Cabarrou et Arnaud Millan.

Outre ces apparitions remarquées, c'est dans une forme de douceur perturbée que le groupe évolue, ce que démontre "Reflection" en ouverture. On est ici proche d' Arcade Fire, une certaine vulnérabilité magnifiée par la trame musicale offerte venant caractériser la plupart des morceaux. Et sur "Say the Word", c'est une batterie assénée qui amène ce côté tourmenté, presque douloureux, exprimé aussi par le chant de Bernard et "soulagé" par le violon expressif de Géraldine Devillières. L'enveloppe sonore est souvent étoffée et ne laisse jamais indifférent et alors qu'on s'attend à une certaine sérénité, le quatuor brode des climats prenants et agités aussi charmeurs que préoccupants. Le groupe tient également ses promesses sur les formats les plus longs, comme "The Dress Code" et son tempo vif sur fond de sonorités spatiales (les guitares) ou déchirées (le saxo), ou encore "Meeting The Wolfman", rock à souhait et porteur d'explosions sonores brutes et aériennes à la fois. Cette orientation plus ouvertement rock, on la retrouve sur "A Place To Stay", également cold par le biais d'un Rhodes aux nappes sombres, et sur un "As We Fall saccadé", orné entre autres d'un mellotron et doté de rythmes changeants au final fonceur. Les mélodies pures cohabitent avec des mélopées moins enjouées, et les climats "lumineux" succèdent le plus naturellement du monde aux atmosphères les plus perturbées. C'est l'atout du groupe et de ce disque d'une beauté peu commune, qui captive sur la durée et vient s'ajouter à la longue liste des réussites d'un collectif plus que jamais indispensable à tout amateur de rock non-conventionnel.

En bref: un opus de caractère, changeant dans ses attitudes et varié dans son contenu, en plus d'un superbe objet aux illustrations magnifiques.





Le Myspace de Sibyl Vane

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John Sellers - Perfect From Now On, How Indie Rock Saved My Life (2007)

"Je hais Bob Dylan". Ainsi débute le livre de John Sellers, journaliste freelance américain vivant à New-York et spécialiste de la pop culture. Alors pourquoi tant de haine dans un recueil en forme d’hommage à la musique alternative ? Parce que pour Sellers, appartenant à ce que l’on appela à l’époque la génération X, et ayant passé son adolescence au milieu des années 80, Dylan représente tout ce que son père aime. Et Sellers veut tuer le père. Et Sellers, pour situer, c’est trait pour trait le héros du High Fidelity de Nick Hornby. Un Rob Fleming personnifié, authentique geek devant l’éternel, à la fois obsessif, snob, mais terriblement humain. Dans un style post gonzo rock, telle une conversation, l’auteur ne fait rien de plus que raconter comment il aime et écoute la musique. De son enfance à Grand Rapids, Michigan jusqu’à aujourd’hui en passant par ses années universitaires, rien ne nous est épargné. On apprend au cours d’anecdotes forcément savoureuses comment Duran Duran est devenu son premier coup de foudre musical, puis comment Joy Division, New Order, The Smiths, U2 et j’en passe ont pris le relai. A chaque fois un détail, une expression, une situation qui font mouche pour tout fan de rock indé. Moi aussi j’ai déjà vécu cette situation se dit-on un sourire aux lèvres. Comme le choix délicat du premier album que l’on passera dans sa nouvelle collocation. Quelle image veut-on donner de soi à travers la musique que l’on passe. Une valeur sûre ? De l’expérimental ? Qu’importe. Car comme le dit le journaliste Chuck Klosterman en quatrième de couverture : "Perfect From Now On est intelligent, intéressant et sincère, et je suis en total désaccord avec tout ce que l’auteur dit".

Mais ce que j’ai le plus aimé dans ce livre, c’est peut-être son côté américain. Parce qu’après la salve anglaise des années 80, Sellers s’est tout naturellement tourné vers la scène alternative de l’Oncle Sam. Ainsi Dinosaur Jr, Pavement, Sebadoh, Built To Spill et Guided By Voices ont pris ses goûts musicaux en otage. Parce que je ne l’ai pas encore dit, mais Sellers voue un culte absolu au fameux groupe de Dayton et à son front man Bob Pollard. Une adoration presque mystique qui le pousse à se creuser les méninges sur la notion de fan, sous tous les angles, avec des réflexions que tout le monde a déjà eues, rapportées ici avec humour et passion, du genre "je suis le seul à ressentir ce morceau comme ça ?" ou encore "suis-je normal d’aimer ce groupe à ce point alors que personne n’en parle?". Une obsession pour GBV qui le poussera d’ailleurs très loin, jusqu’à rencontrer son idole et à se brouiller avec lui à cause du livre. Une longue déprime s’en suit, qu’y a-t-il de pire que d’être haï par l’être que l’on adule plus que tout ? Pourtant si vous êtes attentif, Sellers a choisi d’intituler son essai selon le titre de l’album de 1997 du groupe de l’Idaho Built To Spill, un autre de ses protégés. A noter enfin qu’en tant que parfait geek, Sellers accumule les notes de bas de page, les rendant presque aussi longues que les vrais chapitres, comme un livre dans le livre, comme un aparté dans une conversation. Pire que tout, et là ça devient génial, Sellers termine son bouquin par les traditionnelles listes chères aux passionnés. Parmi elles citons "Top 5 des albums souvent cités que je n’ai jamais écouté", "Top 9 des pires noms de groupes", "Top 12 des meilleurs guitaristes alternatifs", "Top 5 des meilleurs power trios", "Top 8 des meilleures dernières chansons d’un dernier disque d’un groupe", sans compter 189 autres artistes à écouter, la liste exhaustive des concerts qu’il a vu, des formules mathématiques saugrenues pour calculer la qualité d’un groupe… un travail de fou. Pour tous les fans, anglophones, fallait-il le préciser ?

Le site de John Sellers

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En fond sonore pour la lecture de cet ouvrage, "I am a scientist" de Guided By Voices et "Twin falls" de Built to spill :

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Etienne Jaumet - Night Music (2009)

Même si Night Music n’avait pas été mixé et arrangé par Carl Craig, il resterait le disque événement de la rentrée électronique, ne serait-ce que par ses ambitions et son format : cinq titres conçus comme autant d’étapes d’un trip spatial inspiré par les sons rétrofuturistes de Manuel Göttsching autant que par le minimalisme d’un Steve Reich. Le tout façonné par un nerd accro aux synthés vintage, sous perfusion de Telex et de Liaisons Dangereuses. Répétitive, mécanique, la musique d’Etienne Jaumet s’apparente à un flux bourdonnant, insidieux, monochrome, comme une nuée d’insectes qui vous paralyserait afin de vous bouffer méthodiquement la cervelle. Rien à voir, cependant, avec les dérives paranoïaques de ses travaux au sein de Zombie Zombie. L’espace sonore est immense, se prêtant davantage au vertige qu’à la claustrophobie.

Night Music est un album éminemment personnel, qui creuse le sillon du premier maxi solo de Jaumet, Repeat again after me, sorti en 2007. A tel point que la dantesque For Falling Asleep et ses 20 minutes de techno cosmique sonnent comme une prolongation de ce maxi : on retrouve la même rigueur rythmique, les mêmes motifs analogiques, le même saxophone distant et esseulé. Le titre s’achève dans un magma ambient mêlant les chuchotements et la harpe d’Emmanuelle Parrenin. Il y aurait beaucoup à écrire sur ce premier morceau qui allie l’hypnose d’un raga indien, quelque chose du space-jazz de Sun Ra , et une carcasse techno propre à séduire les pires tenants de l’orthodoxie Made In Detroit. De toute évidence, Jaumet ne peut être soupçonné de vendre son cul au grand capital – difficile de proposer œuvre plus froide et mathématique que celle-là.

J’ai d’ailleurs été surpris de lire quelques chroniques enthousiastes sur des blogs habituellement peu versés dans la musique électronique. Les travaux du parisien au sein de Married Monk et de Zombie Zombie y sont sans doute pour quelque chose, ainsi que sa réputation de multi-instrumentiste chevronné, lui conférant un rayonnement bien au-delà des cercles technoïdes. Quant à la participation de Carl Craig au projet, elle est comme une cerise sur ce gâteau métallique, et accessoirement un passeport idéal pour l’international. S’il est compliqué de savoir ce que l’Américain a précisément apporté à la matière brute de l’album, qui lui a été envoyée par le clairvoyant Gilb’r (le boss de Versatile), sa patte est aisément reconnaissable à divers moments de l’épopée. La production et le mixage font d’ailleurs diablement penser à son premier opus, le mythique Landcruising (1995).

Surtout, on comprend ce qui a pu décider la star de Detroit à travailler sur Night Music. Lui qui n’a jamais caché son attrait pour le krautrock et les précurseurs électroniques européens en général a du se sentir immédiatement chez lui à l’écoute du beat motorisé et des basses souterraines d’"Entropy", ou de la montée clinique de "Mental Vortex". Dans un soudain accès de chauvinisme, on peut se féliciter que des artistes français produisent encore des albums aussi exigeants, homogènes et originaux que cette première offrande suintante de sincérité et d’érudition. Et si les sons se propageaient dans l’espace, je ne serais pas surpris d’entendre le "Cocorico" vocodé de quelque coq cybernétique retentir au passage de la comète Jaumet.

En bref : Erudit, jusqu’au-boutiste et illuminé, Etienne Jaumet catapulte un premier album solo intransigeant où il laisse libre cours à ses obsessions rétrofuturistes. Monumental.

Le Myspace d'Etienne Jaumet
Celui de Carl Craig
Le site de Versatile

A lire aussi : Etienne Jaumet - Repeat Again After Me (2007) et Klaus Schulze - Moondawn (1976)

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Joakim Milky Ways Party - Nouveau Casino et Café Charbon (Paris) - 9 Octobre

Le talentueux faiseur de sons frenchy Joakim n’est plus à présenter depuis ses deux très réussis albums Fantômes (2003) et Monsters and Silly songs (2007) réalisés pour le compte du label Versatile. Certains d’entre vous ont certainement déjà découvert son dernier opus Milky ways, sorti il y a tout juste un mois. Pour les autres, et heureux habitants de la capitale, le Nouveau Casino et le Café Charbon accueilleront vendredi une « release party » fort propice à l’écoute de cette nouvelle livraison électronique.

Sur scène, le petit Joakim ne sera pas seul mais entouré d’une tripotée d’artistes en vue, issus pour la plupart de l’écurie Versatile, qui se relaieront de minuit à l’aube pour faire danser la jeunesse dorée. Du côté du Nouveau Casino, des sets plutôt « traditionnels » se succèderont. Du côté du Café Charbon, les prestations seront thématiques. Cosmo Vitelli y livrera notamment un set de soul 70’s, Tim Sweeney versera dans la synth pop des années 80 et Joakim la jouera « Exotica ».

Au programme des réjouissances : Krikor, Mattia, Tim Sweeney, Cosmo Vitelli, Château Flight ou bien encore les Ecossais d’Optimo.

Réserver sa place (15 euros).

Le myspace de Joakim et le site web de Versatile.

Les sites web du Nouveau Casino et du Café Charbon.

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Noah And The Whale - The First Days Of Spring (2009)

En France on aime bien les groupes anglais, ceux dont les albums sont des collections de singles efficaces et héroïques, qui creusent les mêmes sillons depuis des décennies, soit ceux de la pop sixties et de la new-wave. Et bon sang, qu'est-ce qu'on aime aussi, et surtout, lorsque un groupe anglais fait tout le contraire. Londres la girouette a accouché d'un petit Noah, qui a tout du rejeton mal-aimé. Et heureusement, nous, ce sont les moutons noirs que nous préférons.

Le grand projet, derrière ce deuxième album de Noah and the Whale, était de sortir à la fois un disque et un film. Non, non pas un documentaire sur la conception et l'enregistrement de l'album, ni même sur la dernière tournée du groupe. Pas la captation d'un concert exceptionnel non plus. Rien qui pourrait mettre en valeur les artistes en tant que musiciens. Le film qui accompagne l'album est une fiction, de cinéma, dont la bande originale serait l'album justement. Curieusement, en France, le film n'est pas distribué en DVD supplément à l'album. A moins de le commander en import, il faut se contenter de la bande-annonce, également clip de "Blue Skies", disponible sur le net (voir ci-dessous). Pourtant, lorsque l'on écoute l'album, il est loin, très loin de donner le sentiment d'un objet incomplet. The First Days Of Spring, l'album seul, est d'une richesse éblouissante. Et il a gardé des traces de son ambition visuelle. Il y a d'abord cette manière très subtile de créer des espaces instrumentaux parfaitement bien cadrés (comprendre produits). Il y a aussi, ici et là, cette manière tout aussi subtile de reprendre des motifs qui se renvoient l'un à l'autre. Ainsi, la fin de "Our Window" annonce le single "Blue Skies" qui viendra vers la fin de l'album, alors que les beaux chœurs fredonnants de "I Have Nothing" seront repris à la fin de "Slow Glass". Et si le groupe peut se permettre un tel risque (la répétition), c'est parce que les motifs qui se font ainsi écho sont magnifiques.

Et si Noah and the Whale paraissent si étrangers en leur pays, c'est que The First Days of Spring est d'inspiration éminemment nord-américaine. L'album se situe entre folk, post-rock et pop baroque. Je dis «entre», car il ne s'agit aucunement d'un collage de styles. Bien au contraire, l'album joue sur les transitions, tout en lenteur et en délicatesse. Dès le début, le morceau-titre nous fait traverser l'Atlantique, par un jeu de nappes et d'envolées empruntées au post-rock. Le chant lui aussi va à contre-courant, en ce qu'il est aussi anti-mélodique que celui de Bill Callahan de Smog. Mais tout comme chez ce dernier, le timbre de voix est profond et poignant. Après cette ouverture hautement lyrique, la tendance est à la retenue. Cordes délicates et cuivres raffinés viennent apporter lumière à d'humbles compositions folk. Puis vient le drôle de climax de cet album, brillamment mis en valeur par les deux instrumentaux qui l'entourent. "Love Of An Orchestra" est un morceau de pop baroque court, intense, et élégant, et parfaitement réussi. Et dans le creux de la vague, sous la courbe baroque, le triste "Stranger" est joué dans la torpeur qui suit l'exaltation. Ensuite, "Blue Skies" est un peu en-deçà du reste : trop léger au niveau des paroles, il s'approprie mal les clichés de la chanson d'amour «fédératrice» ("This is a song for anyone for a broken heart"). Mais la chanson fait tout de même son petit effet, grâce à de puissants chœurs Après cette nouvelle envolée presque épique, le disque s'achève dans la sobriété. "Slow Glass" et "My Door Is Always Open", à la fois mélancoliques et lumineux, semblent dire un réconfortant «ne soit pas triste». The End.

En bref : folk, post-rock et pop baroque élégamment entrelacés dans l'album de londoniens qui rêvent d'espaces américains.

Site. Blog. Myspace.

The First Days of Spring Official Trailer from charlie fink on Vimeo.

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Pony Taylor - Eleven Safety Matches (2009)

Impossible d'évoquer le premier album de Pony Taylor sans mentionner le nom de The Strawberry Smell, groupe qui connut son heure en écumant tout ce que l'Europe comptait de rallies mod. Et dont un titre de gloire a été entre autres, de jouer live à la BBC, manquant de peu une étape à Manhattan, pour cause de 11 septembre de sinistre mémoire.

Le détonateur ? Un album, Odorama (2002), pur concentré de pop garage rappelant les heures les plus glorieuses du British et de l'American beat. Depuis le split, le noyau dur du groupe constitué de Christophe, Cyril et Olivier s'est enrichi de 2 nouveaux membres, et poursuit l'aventure commencée tout là-bas au début des 90's.

Les obsessions lounge electro de Cyril, ancien vocaliste en chef, et les influences extérieures n'ont pas fondamentalement changé le son qui a fait leur succès. Néanmoins, Eleven Safety Matches n'est pas un Odorama bis, et le disque rend, comme on va le voir, davantage justice aux goûts conjugués de la bande.

Pony Taylor gagne en diversité ce qu'il perd en cohésion, en ce sens que le mix n'est plus systématiquement centré sur les claviers. Le clavinet, la cabine Leslie sont toujours là, mais se contentent désormais de souligner la mélodie plutôt que de la vampiriser. L'aspect garage parfois réducteur n'est donc plus l'apanage du groupe, qui propose ici des chansons toujours ouvertement pop, à grand renfort de vocalises et de guitares power-pop, tout en assumant une veine plus folk, en tout cas mid-tempo. C'est le cas sur "Reed Richards" ou "An Obsessional Guitar Player" au titre sans doute ironique.

Il n'empêche : il demeure toujours aussi pertinent aujourd'hui de les affubler du titre de Supergrass locaux, tant la dynamique du groupe, l'immédiateté des mélodies, et aussi ce penchant plus avoué pour des morceaux laid-back les rapproche encore des hérauts de Oxford - dont ils ont partagé l'affiche cet été.

Et c'est donc tout naturellement que les Pony Taylor qui n'oublient pas qu'un disque accrocheur se doit de fourbir d'entrée ses meilleures armes, balance en prélude un brelan qui a de la gueule, j'ai nommé ces "You Are The Sailor", "Married To Wigan" et "Garden Of Nowhere" -déjà l'un de leurs morceaux de bravoure sur Myspace et sur scène- , et qui seront sous peu leurs "Balthazar", "Soopasound" ou "Valentine's Butterflies" d'hier. J'entends par là, des titres gonflés à la testostérone, et dont les intros, couplets et refrains le disputent au meilleur de la scène pop UK actuelle : Supergrass donc, mais aussi Electric Soft Parade, Super Furry Animals ou Teenage Fanclub.

Ces trois titres coups de poing laissent, c'est vrai, l'auditeur chancelant, et font sans doute de l'ombre à ceux qui suivent immédiatement : "I Try To Keep My Secret" et son riff d'intro façon Alice Cooper (le groupe) et ses choeurs même réminiscents de merveilles façon Byrds ou Big Star -et donc Teenage Fanclub- , tombe un peu à plat. On pourrait presque en dire autant de "Grown With The Orchid" si ce titre ne rappelait un chouchou de DODB, la comète foudroyée du grand Elliott Smith. Sur ce titre, comme sur tant d'autres où le groupe vocalise, il est parfois ardu de distinguer qui de Christophe ou de Cyril se charge de la partie lead, les voix se mèlant de subtile façon.

Ce que l'on peut regretter à l'écoute de "Bargain Counter Dandy", sans doute composée un lundi (?!!) -mais ça n'a aucun rapport avec ce qui suit-, c'est que ce titre, déjà l'un des fleurons de leur répertoire live (avec "Garden..." et "A Brand New Star") souffre sans doute de la comparaison avec son interprétation scénique ; le tempo paraissant comme ralenti. Que les connaisseurs du groupe qui objecteront me jettent la première pierre ! Ceci n'enlevant d'ailleurs rien à la qualité du morceau.

Mais la chanson qui fait la différence à mes yeux, et représente la vraie valeur ajoutée de Eleven Safety Matches, c'est ce "Many Times" magnifique -je crois savoir que Ju souscrit- qui, petite entorse aux 3' syndicales fait l'effort d'un final qui convoque carillons majestueux, et où les claviers de Cyril, jusque là discrets, reprennent le pouvoir.

Pour un groupe qui revendique haut et fort sa dette envers Love, Zombies ou The Left Banke, voila sans doute à la fois le plus bel hommage de fan, et la plus belle pierre d'une discographie dont on attend déjà avec excitation le prochain volume !

En bref : le grand retour du meilleur groupe avignonnais du monde. Des couplets, des refrains, de la power pop comme on l'aime. Ou l'art de faire efficace avec des morceaux de 3' chrono.




Le Myspace

l'incontournable graphisme de Superhomard, site dédié au groupe et à ses avatars

"You Keep Me Hanging On" (Supremes), une des favorites live du groupe

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Yo La Tengo - Popular Songs (2009)

Qu’ils me donnent le secret de leur longévité. Depuis bientôt 25 ans, sans relâche, bruit ni vagues, le groupe américain Yo La Tengo livre des pépites ignorées (du mainstream au moins). Parce que le trio d’Hoboken compte son lot de fidèles, qui pas une fois en douze albums (ou quatorze, ou seize, whatever ?) n’ont été déçus. Quant aux spécialistes, gare à celui qui oserait dire du mal d’Ira Kaplan, Georgia Hubley et James McNew. Irréprochable, le groupe mérite bien son surnom outre-Atlantique de "The quintessential critic’s band". Croisés sur scène et dans le métro barcelonais cette année, ma volonté d’en parler ici a été décuplée. Et ce nouveau disque, important dans leur carrière et au titre si révélateur, a été une parfaite main tendue pour cette chronique. Une déclaration d’amour à un groupe caractérisé par le non tape à l’œil en quelque sorte. Un grand chapeau bas.

"Here to fall", premier morceau populaire donc, sur lequel un Ira en suspension balaye de sa voix un tapis de cordes ultra classe. Déroutant mais habité, discret, parfait. Sa femme Georgia prend le relai sur un deuxième titre aux allures Velvetiennes, influence dont ne se sépare pas le groupe, même au fil du temps. Mais YLT on sait ce que c’est, de la cohérence mais aussi et surtout de l’hétéroclisme. Comme on dit, tout ressemble à Yo La Tengo, et Yo La Tengo ne ressemble à rien. Egalement spécialistes des reprises (de bon goût bien-sûr), ils ont déjà tout fait. Et ce en constant parallèle avec un groupe ayant récolté un plus large succès public, j’ai nommé Sonic Youth, l’arbre qui cache la forêt. Une musique si variée qu’elle n’a même pas besoin de se renouveler en somme.


Du coup on peut facilement enchaîner sur un hymne de fuzz pop. "Nothing to hide" envoie sévère. La pêche! comme on dit. Et puis sans prévenir "Periodically trible or double" déboule façon Stax. Grande classe encore. Un refus de la simplicité, des breaks, des solos, un morceau qui prend son temps. Que dire de plus ? Et on enchaîne dans le même esprit, Motown cette fois-ci, avec les deux voix en fusion tranquille, laissant l’orgue Hammond B3 et les violons faire le travail sur "If it’s true". On est au milieu du disque et jamais la qualité ne redescend. "I’m on my way" et l’on croit entendre à nouveau Jimmy Webb. Deux ballades pop plus loin, "More stars than there are in heaven" arrive et traîne dans le noisy neuf minutes Durant. En apesanteur. Et ne faisant rien comme tout le monde, le trio (toujours originel) termine son opus par deux instrumentaux épiques atteignant les 27 minutes. "The fireside", tout de cordes grattées à l’infini dans un désert aérien, et "And the glitter is gone", magma intransigeant survolté et saturé.

En bref : la force tranquille du rock indé revient en toute discrétion livrer 12 chansons populaires. 12 véritables moments de musique qui portent bien leur âge. Ne pas en parler serait un pêché.




Le site officiel et le Myspace

A lire aussi : Silver Jews - Lookout Mountain, lookout sea (2008)

"Here to fall" et "Periodically trible or double" :

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Film Noir - I Had A Very Happy Childhood (2009)

Film Noir fut sans problème l'un des coups de coeur de 2009. Ce groupe parisien existant depuis 2 ans déjà, publiait alors à la rentrée automnale son premier effort.
L'album, précédemment sorti en 2008 sous une version alternative - pochette, mix et tracklisting différents - avait reçu un accueil plutôt favorable même si confidentiel.

Ce disque évoque un ex-ténor du rock indé défricheur, à savoir les belges de dEUS pour ce mix de rock indé, jazz, l'usage particulier du sax, qui n'est pas sans évoquer les vétérans de Tuxedo Moon aussi. Bref, tout un tas de choses qui furent passionnantes en leur temps. Le fantôme du géant Julian Cope affleure ici ou là, également ("Red purple black and blue") sur l'un des temps forts du disque, dans lequel certains ont distingué un phrasé dylanien : ce qui n'est pas faux ! La remarque vaudrait d'ailleurs pour la ballade en traîneau et ses clochettes qu'est "By the bay"

I had A Very Happy Childhood commence en tout cas de manière chaloupée, par une sorte de swing élégant mâtiné d'Hammond, ("In a courtroom") qui insuffle ce feeling jazz irrésistible. Oan Kim, chanteur et leader du groupe, possède vraiment un beau phrasé et un accent impeccable.
Puis s'ensuit "An Accident", morceau trépidant au staccato de guitare presque punk -et qui évoque dans l'esprit, les Buzzcocks. Même constat pour son presque frère jumeau "It's goodbye". On est  sinon rapidement séduit par la juxtaposition de morceaux généralement assez différents, et porteurs de tant de références chéries, qui s'enchaînent avec légèreté,.
Ailleurs,  quelques titres champêtres ("The Farmer" ou la rencontre d'un jazz Dixie façon Nougaro, "The Road") ne sont pas sans rappeler à notre bon souvenir cet épatant groupe folk qu'étaient les Violent Femmes au début des années 80. La voix y est bien-sûr pour beaucoup, tantôt ingénue, tantôt plaintive.

La morgue du très réussi "Short men long shadows" amène par exemple à ressusciter le chant filtré et sardonique de Mark E. Smith, dans un bel exercice post-punk, tandis que"The Shooting Game" revendique sans doute sa dette énamourée aux Smiths. Sur d'autres titres, n'était le timbre de velours de son chanteur sur "The Thief Is In The Tree", le groupe chasse sur les mêmes plates-bandes que Tom Waits, autre influence communément perçue.

La musique de Film Noir, c'est une musique libre -meilleure conception de la musique qui soit ?- jouée sans autre volonté que de se faire plaisir à soi-même, tout le contraire des oeuvres putassières, soumises à un cahier des charges, et qui encombrent le marché.
Chef d'oeuvre passé inaperçu auprès du grand public et à redécouvrir toutes affaires cessantes.

En bref : l'excellente surprise francilienne de la rentrée 2009. Un groupe habité, aux confluents de musiques diverses qui vont du jazz au rock indé le plus intransigeant.




le site,

le site de photo de Oan Kim

Un extrait live de "Red purple black and blue"

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